Hace algunos años, cuando tenía por costumbre semanal asistir a una de nuestras librerías y revisar los anaqueles de libros con el objeto de ver si algo nuevo había llegado, tuve ante mis ojos un poemario titulado Balanceo; lo firmaba un tal Songo. Los que me conocen bien, saben que, sin tener el dominio de la verdad de mi lado, suelo ser un HP (Harry Potter, para ponerlo de forma amable y emulando las gracias de nuestro presi), o, simplemente, un hijodeputa a la hora de apreciar la poesía. Me explico: Llego. Me posiciono frente al anaquel, veo las portadas, los nombres, el paratexto, en suma. Luego, abro el libro de mi interés, levanto la ceja derecha, respingo la nariz, aprieto la boca y leo algunas líneas a ver de qué madera está hecho el o la poeta que ha tenido la iniciativa de dar a la publicidad un manojo de versos, ojalá habitados por la Poesía, con mayúscula. Síntesis: Balanceo no me gustó. Punto. No tengo nada más que decir al respecto.

Más adelante, la vida me haría conocer al individuo cuyo seudónimo alude a alguna cosa rítmica caribeña. Un tal Edilberto González Trejos. Un tipazo. Y me dije, carajo, un tipo de buenas intenciones pero qué pena que no se haya tomado el tiempo de castigar el texto que ofreció a los lectores bajo aquel título de péndulo y bachata.

Después vendrían las actividades culturales en las que ambos participaríamos, el crecimiento de una amistad hoy sólida, el festival de San Francisco de la Montaña y la esperanza de que, en cualquier momento, Edilberto nos diera la sorpresa de un libro memorable. Ese momento llegó. “dioses de bolsillo” es, tal como lo he consignado en la contraportada, la obra que este ejemplar ser humano nos debía. Cito literalmente: “Estos son los versos de Edilberto González Trejos que estaba esperando. Castigados, libres de adjetivaciones superfluas, decidores de una verdad incontestable: la suya… Que es nuestra (no vuestra, como dice allí) por ritmo y emoción contenida, por sustantividad de ser. Para mí, este “dioses de bolsillo” revela la raza a la que pertenece González Trejos: la de los Poetas con un lugar en el mundo.”

Conocedor de lo HP que soy, pero dueño de una seguridad admirable y aguantador de cualquier metralleo crítico de mi parte, Songus, como me gusta decirle, me dijo, bueno hermano, veamos los versos, pues. Ya sabemos todos que el pez muere por la boca y yo, por bocón, tuve que ir, otra vez con la ceja alzada, a leer y opinar sobre los nuevos versos del amigo. Con lo que yo no contaba era con el hecho de que ya venía preparado con un buen escudo: el de su propia solvencia poética. Claro, yo tuve que hacer las veces de abogado del diablo, para ver si lo hacía titubear; pero el hombre allí, impasible.

Debo dejar muy en claro que no me ocupo de los libros de nadie si no me gustan, si no me transfiguran, si son un crimen ecológico. La crítica, o la opinión más bien de un libro de poemas es para mí un ejercicio de amor, con todo lo que el verdadero amor implica: honestidad, decir lo dulce y lo amargo, queriendo lo mejor para quien ha venido a pedirme una retroalimentación.

El resultado de ese ejercicio de amor está hoy entre nosotros. Ahora hablaré de él, partiendo de una premisa: Es un libro admirable. Songus ha dado una zancada cualitativa de la que tiene que estar muy consciente, porque de ahora en adelante no puede sino partir de allí para sus nuevos proyectos.

Es un libro complejo, vario en sus contenidos, responsable en su forma de decir: el lenguaje es, como en todo excelente trabajo, su rúbrica más preciada. Va de lo emotivo a lo sentipensante. Songus es un hombre tierno, pero también un ser que piensa y hace filosofía en el verso, por más en desacuerdo que algunos trasnochados estén con la idea de no hacer filosofía en la poesía.

Inicia con un tono confesional, bucólico, afincado en los territorios de su infancia. En un San Francisco de la Montaña al que asiste a ver morir a su madre. De salida, el poeta nos conmueve. Conmoción y emoción en una sustancia verbal que se va adensando conforme pasan las páginas. Son versos honestos e inteligentes, lacónicos y duros, de una brillantez que soslaya todo facilismo.

Para mí ha sido un verdadero honor trabajar, como lector crítico, con él. Songus es unos años mayor que yo; por lo tanto, tiene ventaja vital sobre mí. Soy vitalista. Él también. Por lo tanto, me siento muy a gusto entre las páginas de su nuevo poemario. Siento un goce estético y ético muy profundo. La amistad poco tiene que ver, o mucho, y que valga esta contradicción, porque no hay nada mejor que celebrar el libro de un poeta amigo, que es solvente en su escritura y que llama a las cosas por su nombre y les inventa nombres nuevos, sin necesidad de alardeos inútiles o estridencias fatuas o efectismos cojos.

Devoto como es de la poesía en otros idiomas, este políglota del verbo poético se sentía en deuda con unos ritmos que no eran los suyos, venidos de las lenguas inglesa y francesa, que en poco contribuían a su despunte versal. Lo comprendió a la primera de mis malcriadeces. Respiró el ritmo que le corresponde y su palabra ha cobrado vuelos insospechados.

Los títulos de los poemas de “dioses de bolsillo” son en su mayoría hermosos. Me apasionan los nombres de las dos secciones que lo conforman: La zafra de la lluvia y El cortejo de la piedra; tanto como ese que da título al conjunto: “dioses de bolsillo”, repito, en minúscula, como una demostración de su ingenio y rebeldía, un gancho que va más allá del ardid publicitario y se adentra en unas zonas de relámpago y sombra.

Fuerza. Sustantividad. Adjetivaciones precisas, en las que ha seguido a pie juntillas el postulado de Huidobro: “El adjetivo, cuando no da vida, mata”. Fraseos aquí y allá, creando atmósferas únicas, enigmáticas. Ritmo como música. Música como celebración del sonido. Ritmo como senda hacia ese punto de llegada al que alude Paz en El arco y la lira. Estrellas cabalgando sobre una sábana negra que se va haciendo luminosa en el tintineo de los coros de su voz. Todo eso hallo aquí. Síntesis también hallo. En suma, todo lo deseable en un buen libro de versos.

Me niego a comentar alguno de los poemas porque los he hecho míos a un nivel de intimidad que me restringe el verbo y me exige guardar para mí los placeres de su lectura. Pero, además, queda claro que no soy quien para arruinar, con los detalles, la lectura que sus lectores habrán de tener, cada quien a su modo, a su aire, a su sueño.

Gorka Lasa Tribaldos, un poeta en exceso modesto y grande, de seguro dice lo que yo no me atrevo a decir; no porque sea un bocón, como yo, sino porque dispone de unas herramientas elucidadoras con las que valorar los caminos tórridos de lluvias pasadas y nuevos de arenas movedizas. La metafísica puebla este trabajo. Y Gorka, diciendo sin decir, lo hace mejor que yo.

Yo me siento muy feliz. Songus lo sabe. La poesía lo sabe. Sabemos que a veces es una puta esquiva, la poesía, que no se acuesta con el que le guiñe el ojo. En todo caso, es una puta difícil, de rogar. Y cuando le ruegas mucho te mete una patada en los cojones que ni quieras saber. Ella se escribe solo cuando ella quiere, al decir de un poeta guatemalteco, cuyo nombre me es imposible recordar siempre. Pero Edilberto creó las condiciones exactas para que esa doña altanera y hermosa, se acostara con él, le susurrara al oído sus blasfemias, sus procacidades, sus enconos y sus ternuras.

Cable de alta tensión el poeta, siempre lo he definido así. Y los hay de distintos niveles: los de hierro podrido, los de cobre, los de oro y los de platino. Parece que la Poesía ha descubierto un alto nivel de conductividad en la persona, el ser, de Edilberto y, solita, sin que la llamaran, le abrió las piernas y se dejó penetrar. La voz espermal de Songus ha preñado a una mujer difícil, y ella le ha dado un hijo hermoso. Vamos a cargarlo, antes de que empiece a caminar. Vamos a bautizarlo contra el mal de ojo. Alejarlo de las garras de la Tepesa. Es de esos chiquillos cabrones que se levantan antes de tiempo y van a la vida a defenderse solos. Pero las brujas envidiosas existen y no está demás que le pongamos un listón rojo a la criatura. A las finales, no será necesario. La obra se defiende sola. Mis palabras son solo un regocijo frente a ustedes. No una defensa de nada. No se puede defender lo indefendible. Lo escrito, como un buen puño cerrado, se blinda ante las inclemencias del tiempo y deja pasar solo a los que con amor reparan en su sublime hermosura.

No sorprende que Margarita Carballeda, filósofa de formación, dé inicio a su jornada poética con el ideal del retorno al origen de las cosas, que es, de suyo, el ideal de asistir al origen de sí misma: Marcha hacia el conocimiento interior: Umbral hacia el Todo del que venimos y del que jamás nos hemos desligado: Encuentro con la Totalidad que nos aguarda desde siempre: Llama de un principio que nos espera lejos del tiempo, esa invectiva maléfica de los hombres.

Tiradas están las cartas de navegación hacia el Fuego de Heráclito. Consciente o no, la autora, insistimos, nos ha lanzado en pos de ese ideal. Pero no se aspira al gran Todo sin que hayamos primero recogido nuestros fragmentos, sin que nuestro pequeño mundo interior haya hecho su ejercicio de totalidad y adquiera su pasaje lejos de una escueta exploración de superficie.

La intención de rearmarse aflora con la fuerza de un imperativo en cuya obediencia caben los ácidos de la ternura, la crueldad del deseo, el ardor de la nostalgia, los rigores exquisitos de la soledad. La filósofa se repliega y da paso a un lenguaje que se deja sentir; emprende su recorrido hasta tocar fondo; nos aparta celosamente de su intimidad secreta y hosca; dice y esconde, lucha piel a piel contra la oscuridad del mundo; canta como un presagio: Se hace poema.

No olvido cómo eras frágil/ ni cómo largos tus sueños de tanto que se perdían, son las palabras que constituyen su primera evocación, la enunciación de lo perdido y, en ella, el intento por restaurar el espíritu desperdigado. De aquí en adelante viviremos múltiples variaciones de la ausencia: en los rostros inasibles de un amante cuyo nombre desconocemos, en una ciudad de la nostalgia escrita en piedra, en la noche con sus páramos de alambre y sus espejos vacíos, o en ella misma, mujer de membrillo y sal. Los siguentes versos bien podrían aludir a cualquiera de estas variantes: Soy memoria que vaga por tu espacio/ a distancia de puentes reinventados/ amasando con fuego atardeceres/ en mitad de las piedras levantadas/ Soy tu ausencia a la altura de las torres/ y rumor de los nidos rehabitados.

Nótese que lo ausente es incluso expresado en las cosas no dichas: Detrás de la cordura tal vez haya/ una frase esperando que no has dicho/ por el miedo tan tonto de quebrarte.

Toda soledad es relativa, y pertenece al plano de las apariencias. Existen entidades (actos, situaciones) que arriban al inventario aunque nada más sea para ensachar los cauces de aquella soledad; pero, presencias al fin, se hacen palpables en su acecho: Hay algo que me roza como el filo/ de algún cristal herido hacia mi frente.

Esos quejidos cojos, pusilánimes, repletos de sensiblería y estridencia, no habitan los versos de Umbral Polanco, porque su autora prefiere escurrirse, engatusar al lector con sugestiones, pistas engañosas, atmósferas en que la elipsis reemplaza al ímpetu o lo dosifica en frases codificadas, llenas de música. ¿Por qué dejarse leer al desnudo si aún las heridas duelen?: Cristales en los ojos si amanece/ y escapan tus esquinas/ geometría/ perfecta de nostalgias/ y lluvia por lo menos/ y por lo menos hambre/ del revés de la tarde/ con apenas penumbra// Y un silencio que grita.

En el poema anterior, los vocablos de tiempo (amanece, tarde) están usados de un modo que, en el contexto total de la estrofa, nos confunde, alienta la ambigüedad; acaso porque el tiempo mismo ha sido llamado a confundirse, o porque es un animal dudoso, fuera de toda aritmética plana: Da lo mismo noche que mañana que tarde. Otra vez la jugada al margen de los límites secuenciales del tiempo. Otra vez las palabras intentando quebrar su predominio. ¿No es acaso el tiempo una apariencia?

Algunos poemas del conjunto nos llevan a la exasperación, hacen su labor ¿premeditada? de repulsivo. Su lógica se expresa, al menos a simple vista, de manera convencional. Pero hay palabras, frases inocentes que sacan las uñas y les cambian el curso, impidéndonos la resolución facilista de la idea. Nosotros, acostumbrados como estamos a una lógica rasa, mil veces dicha, nos sentimos amenazados por el giro sorpresivo, el final que no cuadra. Por eso nos extraviamos, nos indignamos, huimos y regresamos a hurtadillas a releer los versos de nuestro desconcierto, a buscar una vez más el rumbo entre sus líneas exasperantes. Los siguentes, podrían ilustrarlo bien: Que no aflojen las riendas del orgullo/ Quedan las islas/ Cuando apenas se salva la distancia/ Y en el caudal un árbol.

Pero cuando nos vamos acostumbrando a esta suerte de negaciones, de escamoteos indeseables, al imperio de lo críptico y lo aparente, se nos propone una tregua y se nos dicen las cosas con la claridad más simple: Hay un dolor por todo lo que quede/ cuando no surja tu piel de entre las mantas/ Hay un dolor por toda la ternura/ Por toda y por la única palabra/ que aún guarda algún sentido y que es tu nombre.

Entonces aparece, líneas abajo, la poesía armada con su arsenal de imágenes y tiempos transgredidos, y aquel dolor nace, se reinventa con metáforas que son silencio y que en su mudez nos golpean: Pájaros sin dueño no esquivan la noche/ y la tarde se hunde.

Los recursos para mitigar la no-presencia surgen en una música evocada, en un haz de palabras anteriores al suceso de lo ausente, o en un presagio de claves dispersas con su imantación misteriosa. Aún la ilusión sirve como coartada para atrapar lo que no asimos: Llegas por las semejanzas de otra música/ palabras/ que son previas te suceden/ y ya emerges de un presagio/ Llegas por todas las calles/ igual que si fuera cierto.

Luego vendrán los versos que nos preparan para el cierre (¿temporal?¿definitivo?): Como un grito que se escurre por los bordes de una oreja/ de tanto que habrán crecido serán pequeños mis ojos. Pero estos versos no parecen anunciar la llegada. Son apenas una definición de asombro, y de duda. Los ojos crecen para asombrarse, o crecen porque se asombran, y, como dos faros que no resisten la dimensión de lo visto, que no pueden sostener el peso de la imagen que vislumbran, se achican para someter los espasmos visuales del niño interior, para neutralizar los temores, las llamaradas del vértigo. Pero frente a qué, debajo de qué sol, en medio de qué noche, ante el acecho de qué incómoda palabra…

Habría que preguntarlo al azar y a los espejos. Eso parece decirnos Carballeda, tal vez doblegada, convencida de que el encuentro con la Totalidad es un reto que supera nuestras intenciones y el largo de nuestra estatura. O, tal vez, se trate de algo más simple y por eso menos evidente. Porque, aunque nos duela, hemos perdido la noción de lo simple, el atisbo de lo que nos salva en su sencillez. El mundo es una complejidad inferne y resolvernos en él, decimos, no puede implicar sino un esfuerzo complejo y desesperado.

Y mientras esa respuesta llega, mientras nuestros ojos se escaldan y aprenden a mirar a fuerza de erosiones, mientras, en fin, nos ganamos el pase de vuelta al origen, uno va, camina, expurga entre sus cosas, se vuelve un atado de enredos, vierte sus astillas en el interior de un saco sin fondo y sin luz, en los vacíos de un libro, en los silencios de una partitura que nos enseña a cantar con dolor y dignidad. Y se dirige, uno se dirige -el corazón y la brújula rota- hacia el todo. Hacia el temor y el pánico. Hacia la nada.

                Nadie dijo que sería fácil.~

La poesía en América es un género que necesita ser reinterpretado; en ocasiones se disimula con demasiada irreverencia los contrastes que existen entre la falta de ese estudio,

Resulta desde esa diversidad algo peculiar ahondar en los predios de un poeta como Manuel Orestes Nieto (Panamá y1951), reconocido precisamente como una de las figuras emblemáticas de la neovanguardia en su país. Con un amplio aval en la poesía transita la obra de este creador que se hace más evidente y se consolida, pudiéramos decir, al obtener el Premio “José Lezama Lima” de la Casa de las Américas en el año 2010 con la obra “El cristal entre la luz”, especie de antología que nos adentra a un universo donde se pretende cierto vasallaje lingüístico que trasciende por sus novedosos algoritmos al configurar su obra. Con la particularidad de proponernos un viaje al origen de su creación con una mirada retrospectiva, esta edición de Casa de las Américas se hace más sublime como volumen de instantáneas personales, el poeta juega entre corrientes coloquiales y raros divertimentos aquí signados por las vanguardias de las décadas del 50 y el 60.

Se trata de un libro extremadamente intenso, pero hondamente afianzado a grandes asociaciones que nos permite, con cierta sutileza, indagar en el universo personal del bardo al ofrecernos en esta edición una selección de textos que refieren posibles rasgos en su verbo, así enunciaríamos: una gran tendencia a lo histórico, en particular por la circunstancia de su país de origen, donde pretende en la mayor cantidad de sus poemas asumir una especie de denuncia ante la penetración norteamericana y la situación creada con el Canal de Panamá, hecho este que se enmarca entre las tendencias de la poesía a finales de la década del 60 donde por vez primera presenta un libro muy peculiar titulado “Poemas al hombre de la calle”. Unido a un demodé simbolismo histórico se escenifica un verso que se prolonga hasta una especie de desasosiego de su voz o un paso zigzagueante como imaginarios estéticos posibles, para continuar con un poemario de mayor arraigo a los destinos de su pueblo y donde reivindica el alma de lo nacional, muy de moda en esos años en América. Me refiero a “Reconstrucción de los hechos” donde esa dicotomía se asume como descolonización de la ciudad. Ciudad como aldea o país o continente. Incluso, ciudad como mundo. Volumen este que definitivamente le avalaría el Premio Literario Ricardo Miró en 1972.

El autor de “Reconstrucción de los hechos”, asume un ángulo muy interesante a partir de la edición de este poemario, a manera de prisma, explora desde la poesía el universo estético que le rodeaba para afianzar sus denuncias. “Uno cree tener un territorio un país / un pueblo grande un pueblo corazón esperanza/ algo por lo cual dar la cara/ las manos 

y las piernas”. Definitivamente en esos versos se resume el leit motiv que hilvana incluso su posterior obra. Sin embargo, no está la misma aislada del legado cultural de Panamá en los predios literarios, en tanto la presencia de Amelia Denis de Icaza, Ricardo Miró, Rogelio Sinán, nos hace presumir que existe un tractus poético en dicha nación que nos ratifica la singularidad de cada una de estas voces, incluso en la actualidad donde la interacción con las vanguardias se hace más evidente con poetas como Javier Alvarado y Magdalena Camargo, donde la configuración del imaginario poético se afianza a líneas de experiencias más intelectivas y de un amplio estado de renovación, casi barroca en su cosmogonía. Panorama que nos hace ratificar la dimensión que va teniendo la lírica centroamericana y en particular la poesía del Istmo.

En Manuel Orestes Nieto, esa denuncia constante nos hace presumir la reivindicación de la identidad y también nos permite justificar su carrera diplomática y política al desempeñarse como Embajador de Cuba y Argentina, Director de la Biblioteca Nacional, entre otras responsabilidades que nunca lo apartaron de su obra. Se precisa en la nota de contraportada que se trata al editarse “El cristal entre la luz” de un volumen que adquiere una mayor significación en tanto se percibe un “canto a la riqueza histórica, cultural, geográfica de Latinoamericana y el Caribe”. De allí los comentarios de la influencia que obras como la de Pablo Neruda y Ernesto Cardenal tejen en la poesía contemporánea de América, incluso en la actualidad donde la línea neo-barroca y la mirada hacia la poesía visual adquieren gran arraigo.

Erasto Antonio Espino, apunta con precisión de orfebre, resumiendo de algún modo la personalidad y la obra de Orestes Nieto que “La poesía ha sido para él un río de ancho caudal en cuyo torrente todo cabe. Memoria, utopía y nación pueden ser las tres columnas fundamentales que abrazan, desde su geometría solidaria, la inmensidad de lo real. Y por ello, su poesía ha sabido dar cuenta de los combates de su tiempo y responder a las necesidades éticas y estéticas del país”¹ Y ciertamente la poesía de Orestes Nieto se configura a partir estos elementos que bien hacen una trinidad poética, en primera instancia, como resumen de las páginas de “El cristal entre la luz”, a lo que pudiéramos agregar como un cuarto elemento, el temor a la fuga de la memoria que se descifra aquí con la dimensión del ser humano y el paso del tiempo. Entonces apuntaríamos, el tiempo como pérdida o salvaguarda del primer elemento que precisa Erasto Antonio Espino, de allí que esta antología es un ciclo poético indisoluble en su configuración, que apuesta por salvaguardar la memoria del que ha navegado por estas páginas. No resultaría casual de ese modo la intensión, bien marcada del bardo, a ese viaje retrospectivo que sostiene estas páginas.

La palabra como luz, es aquí un ente que cobra vida. El dominio de las formas que articula bajo sus versos nos hace recordar movimientos literarios que enmarcaban las palabras en su sonoridad y espacio. Sin embargo, en Orestes Nieto, en ocasiones, estas se hacen irreverentes y nos conducen a encrucijadas donde pudiéramos aseverar que nos impone ciertos sortilegios, especie de filosofía esta que nos advierte sobre el amor y la muerte. Es como si estuviéramos en presencia de un hombre que ha cultivado el arte de la luz, la desfragmentación de esta a través de un prisma para desdibujar el camino final del hombre.

Destacaría los textos de “Carta de otoño”, 2005, que el poeta ha ofrecido como pórtico de esta antología, y donde el paso de los años se nos hace un raro porvenir. Esa voz entrecortada es una filosofía de los que han sabido ahondar en las palabras, como el que asume un vértigo y piensa que puede llegar. Hay en cada uno de esos poemas que se hilvana, un aliento minimalista ante la existencia. El hombre está viendo las grandes fronteras, el mundo se hace inmenso ante la amada y los tiempos pasados. Entonces tal parece que Manuel Orestes Nieto pretende asumir un viaje interior cuando supuestamente ya no quedan alternativas y nos deleita en esos imaginarios ante lo natural que es un colibrí, el aire que nos ronda, la luz que se bifurca.

Se escenifica aquí un ciclo de despedidas repetibles pero que nos aferra a un verso más descarnado por el paso de los años y una obra llena de miradas posibles, en ese largo bregar. Descubrir esta poesía es un deleite, una extraordinaria suerte, cuando se ha visto la luz entrar al prisma que el poeta configura. Dibujar la sonoridad de la luz que transita en esa desfragmentación es el arte mayor de esta antología con la que Manuel Orestes Nieto se nos presenta como una de las voces más auténticas en el panorama de la poesía del continente americano.

Luis Manuel Pérez Boitel

Poeta cubano.

Premio de poesía “Casa de las Américas” 2002.

Vengo de mí hacia ti, corazón del tiempo, ¿qué te hiciste?

¿Estás aún en esa plaza antigua más allá de lo que ven mis ojos?

¿Te levantas y huyes otra vez, herido de noches y mortajas?

La vida me sucede en sus preguntas

y del labio al minuto todo arde.

Echo un vistazo a mi melancolía y es tarde ya para que asome el desconsuelo.

Solo quiero vivir,

sentarme frente al hogar de las presencias que amo,

incinerar los testamentos de la jauría que me persigue.

Así sabrán esas bestias de mi escape sin retorno.

Así sus fauces horrendas dejarán su saliva asquerosa

colgando de la más débil levedad.

Yo vengo de celebrar mi olvido.

Vengo de conocer esa otra cara confusa de la luz.

Todavía persigo un sueño y, mientras dure,

el olvido-olvido renunciará a mis nombres.

Salvador Medina Barahona. 14.12.2010

La Fundación Poetas de El Salvador estará celebrando, entre el 4 y 8 de octubre próximos, el IX Festival Internacional de Poesía de El Salvador, una serie de recitales concatenados que tendrán como sede principal la capital del hermano país centroamericano, pero que empalmarán con presentaciones simultáneas en otras ciudades.

La agenda de presentaciones incluye lecturas en teatros nacionales, universidades, entidades culturales y recintos históricos, así como plazas, bibliotecas, tabernas, museos y sedes diplomáticas.

“Esperando que podamos reunirnos a la sombra luminosa de la poesía, enviamos a usted un abrazo caluroso”, rezan las últimas palabras de la carta de invitación cursada a nuestro poeta nacional Salvador Medina Barahona (Premio Miró de Poesía 2009), firmada por Paulina Aguilar de Hernández y Nick Mahomar, presidenta y vicepresidente, respectivamente, de la fundación anfitriona.

Compartirán escenarios con el autor de Pasaba yo por los días los poetas de Guatemala: Silvia Pérez Cruz y Manuel Arriola; Honduras: Waldina Mejía Medina; México: Roberto Fernández Iglesias; Argentina: Cristian Claudio Lasadey; Canadá: Jorge Etcheverry y Franciose Roy; Costa Rica: Mauricio Vargas Ortega y Florencio Quesada; Australia: Silvia Cuevas Morales; Puerto Rico: Marco Rodríguez-Frese y Edgardo López Ferrer; Cuba: Esther Trujillo García; Perú: Helmut Jeri; U.S.A.: Bessy Reyna; Italia: Francesco Manna; Rusia: Sofía Faddaeva; Venezuela: Luis Ernesto Gómez; Colombia: Inés Blanco; Bolivia: Rina Tapia de Guzmán, y Dinamarca: Niels Hav.

Salvador Medina Barahona dará una lectura previa al festival en un acto denominado “Santa Tecla entre dos mares, poetas panameños”, el sábado 2 de octubre a las 5 pm en el Museo Municipal Tecleño (MUTE). El acto, organizado por índole editores y la fundación Claribel Alegría, contará con el escritor Mario Noel Rodríguez como presentador y la cantante Claudia López.

Medina Barahona ha dado lecturas en España, Estados Unidos, Centroamérica y Panamá. Es autor de los libros Viaje a la península soñada, La hora de tu olvido y Somos la imagen y la tierra, entre otros. Ha sido galardonado con el Premio Nacional de Poesía “Stella Sierra” 2000, y con Mención de Honor del Premio Centroamericano de Literatura “Rogelio Sinán”  2001-2002.  Poemas, ensayos y breves reseñas críticas de su autoría han aparecido en prestigiosas revistas locales e internacionales, como la Revista Cultural Maga, el Black Renaissance Noire de la Universidad de Nueva York y la Revista Carátula de Sergio Ramírez. Fue incluido, entre otras, en la antología al francés Poésie Panaménne du XXe Siècle (Poesía panameña del siglo XX) de Olver Gilberto de León; Universidad de la Sorbona, Francia. Director de El duende gramático, revista para la promoción de las letras, las artes y la cultura, también es miembro del comité organizador del I Festival Internacional de Poesía “Ars Amandi” Panamá 2010.

Por Salvador Medina Barahona

Celebrar la palabra es celebrar la vida. A través del tiempo, la humanidad ha ido creando los espacios para reunirse en torno a la magia de sus cantores, a la belleza de su verbo testimonial, amable, íntimo, redentor; en suma, lo ha hecho para festejar con la música de los poetas la alegría de vivir, el sueño de ser libres, el prodigio de amarse. Panamá no ha querido ser la excepción. De allí que se hayan activado iniciativas para que entre el 22 y el 24 de septiembre próximos nuestra ciudad sea la capital internacional de la Poesía. Con el nombre de Primer Festival de Poesía Ars Amandi Panamá 2010, esta fiesta promete inaugurar una jornada anual de actividades (lecturas, recitales, talleres, conferencias de concienciación ecológica, entre otras) que nos inserten en el diálogo mundial de búsqueda de lo mejor que hay en cada uno de nosotros: Individualidad y alteridad son las caras de una misma moneda que habrá de brillar en este puente de vida que somos.

En busca de lo humano. Nuestra fiesta de la Poesía tiene como uno de sus objetivos más queridos el encuentro de esa humanidad perdida, soterrada en el afán de unos días que han parecido demoler los cimientos de nuestro ser. En busca de lo humano ha sido, pues, el eslogan que los gestores de este proyecto han asignado a esta carrera de versos, música, parlamentos (habrá una breve puesta en escena en honor a la obra de José de Jesús Martínez) e imágenes. Recordemos que las artes se juntan y armonizan para comunicar, reflexionar y propiciar el disfrute de la gente.

Responsabilidad social. Ni la poesía ni los poetas están eximidos de la función de lograr un mundo mejor. Nunca lo han estado. Las torres de marfil no son consecuentes con la realidad en que vivimos y los artífices del lenguaje saben que tienen que cerrar filas, incendiar el corazón, volcar su mirada sobre los que menos tienen, los desamparados del espíritu. Los poetas son seres “sentipensantes” y habrán de unirse a las agendas sociales de una Sociedad que reclama la participación de sus cantores y sus artistas. De modo que los organizadores del festival hayan deparado una jornada para la discusión de unas temáticas de absoluta vigencia y preocupación: “Agua, poesía y vida en Centroamérica.” Nada más propicio, pues.

No a la violencia. La poesía y las artes en general han demostrado ser herramientas muy efectivas para disminuir los índices de violencia en ciudades que han sido azotadas por este lamentable flagelo social. No muy lejos de nosotros, salta a la vista uno de los ejemplos más emblemáticos: La ciudad de Medellín, en Colombia. Hace poco estuvo entre nosotros, dentro del marco de actividades del primer diplomado nacional de Cultura y Desarrollo, auspiciado por la Organización de Estados Iberamericanos y acreditado por la Universidad Tecnológica de Panamá, una de las gestoras culturales más beligerantes del continente: Mónica Sepúlveda, impulsora de proyectos en la hermana ciudad colombiana. Sus enseñanzas fueron contundentes: Una cultura de paz sólo es posible con el concurso de todos los sectores sociales que comprendan que la creación de espacios para la formación de públicos es el camino directo a un cambio en la conciencia y un salto en la neutralización de las dinámicas de violencia de las poblaciones. Recordemos que, además del ejemplar modelo de cultura y desarrollo gestado e implementado en aquella ciudad del sur, allí se cuenta con uno de los festivales de poesía más importantes del mundo, que reúne a miles de seres en torno a los ritmos del verso, vehículo redentor.

Red de festivales. No sólo Medellín ofrece a sus ciudadanos y al mundo un festival de poesía de asombrosas dimensiones, sino que la práctica de unir a la gente en torno al fuego sagrado de la poesía (no por sagrado, menos jovial, divertido y liberador) se ha ido extendiendo por múltiples ciudades de nuestro continente: La Habana, San Salvador, Granada (Nicaragua), San José, Caracas, entre otras, se constituyen anualmente en capitales mundiales de la poesía con invitados de todas partes del planeta. Con el Festival de Poesía Ars Amandi Panamá 2010, nuestro país oficializa su inserción en la red de festivales de la región y asume su papel invaluable de ser puente, lugar de encuentro, sitio para el canto y la hermandad. (Para mayores detalles sobre la Red de festivales y otros aspectos relacionados con el Festival Ars Amandi, consulte el siguiente enlace: http://sites.google.com/site/festivaldepoesiapanama/Home).

El homenaje. A ningún panameño debería resultarle extraño el nombre de Amelia Denis de Icaza. De seguro, muchos habrán tenido que emprender en sus años escolares la tarea de estampar en su memoria las estrofas de un poema maravilloso: Al cerro Ancón. Pero, ¿por qué rendir homenaje a esta poetisa de padre de origen francés y madre panameña? “Tal vez la respuesta a esta pregunta —sostenemos los organizadores del festival— la hallemos sugerida en las palabras de la propia Amelia Denis cuando se refería a su padre: “Mi padre era un cumplido caballero, un hombre honrado y digno, un amigo modelo, un ciudadano leal y desinteresado. Bajó a la tumba con un nombre ileso. Yo era su primera hija, hija de su amor; vivía a su lado; me identifiqué con sus ideas; amé lo bello porque él me enseñó a amarlo; sentí profunda compasión por el desgraciado, por el huérfano, por el oprimido, porque él me enseñó a sentir; y apagaba mi sed de niña impresionable en la fuente de su amor por la humanidad”. Dónde, sino allí hallar nosotros y fundamentar nuestra elección. Amelia Denis representa los ideales que nuestro festival persigue. Ella sintetiza nuestro deseo de poner lo bello, en este caso, lo bello de la palabra al servicio del ser, de sus valores más trascendentes. Queremos sacar a la poetisa de su celebridad de museo. Todos la celebran por su inmortal poema Al Cerro Ancón; pero queremos poner de manifiesto el aspecto humano que generalmente queda eclipsado por la celebridad de un poema inolvidable. No queremos siquiera hacerlo desde la perspectiva de género, que dice que fue la primera poetisa panameña visible en el panorama de nuestras letras (cosa por lo demás, inexacta), ya que nos mueve el entendimiento de que la poesía no tiene sexo. Compréndase, pues, nuestro sincero interés en resignificar la figura de una persona con elevados valores que fueron puestos al servicio de la poesía. También deseamos incitar a las nuevas generaciones a que se movilicen a las bibliotecas públicas o particulares a conocer el resto de la producción poética de la autora de uno de los poemas más emblemáticos de nuestra nacionalidad.

Invitados nacionales e internacionales. Ahmad Al Shahawi (Egipto), Isolda Hurtado (Nicaragua), Marvin García y Daniel Matul (Guatemala), Otoniel Guevara (El Salvador), César Augusto Zapata (República Dominicana), Luis Eduardo Rendón (Colombia), Rodolfo Dada (Costa Rica), Alma Karla Sandoval (México) y César López (Cuba) son los poetas internacionales invitados al Primer Festival de Poesía Ars Amandi Panamá 2010. Por Panamá, tendremos la participación de Aristeydes Turpana, Magdalena Camargo Lemieszek, Porfirio Salazar, Eduardo Soto Pimentel, Moisés Pascual, Franz Castro e Irik Limnio, entre otros. Ellos estarán compartiendo sus poemas en escuelas, universidades, auditorios públicos y otros sitios de nuestra ciudad capital.

Equipo gestor. Aunque la dinámica de trabajo del equipo gestor sigue una línea de gestión horizontal, es justo decir que la idea de sumarnos al concierto regional de festivales ha sido planteada y sostenida por los escritores David Róbinson y Lucy Cristina Chau, quienes muy pronto hallaron respaldo entre sus pares, muchos con la experiencia de haber asistido a festivales de poesía en distintas partes del mundo. Consuelo Tomás, Héctor Collado, Salvador Medina Barahona, Gloria Melania Rodríguez, Katia Malo, Moisés Pascual, Javier Alvarado, Victoria Mendoza, Javier Romero Hernández, Edilberto González Trejos, Lil Marie Herrera, Martín Testa Garibaldo, Eyra Harbar y Alex Mariscal, entre otros, son los nombres de quienes han apostado por la realización de este sueño.

Socios patrocinadores. La gestión cultural apenas empieza a fortalecer, en la mayor parte de nuestros países, su misión de crear los espacios para la formación de públicos y contribuir así al desarrollo integral que es clave en el mejoramiento de la calidad de vida de los individuos. Se empieza a comprender más cabalmente la importancia de buscar aliados en los diversos sectores (léase públicos y privados) para la feliz concreción de unas metas que urge realizar. En este sentido, la organización del Primer Festival de Poesía Ars Amandi Panamá 2010, ha logrado tejer alianzas con entidades sin cuya colaboración éste no habría sido posible. De modo que nos resulta indispensable mencionar que entre nuestros primeros socios figuran Apartotel Torres de Alba, la Universidad Tecnológica de Panamá, el Instituto Nacional de Cultura, la ANAM, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de Panamá, el Convenio Andrés Bello, la fundación cultural AlterArte, el Pacto por la vida (UICN), SERTV, Raenco, SEGIB, Motorsport y el Laboratorio Turbo Diesel; entre otros. Saben ellos y sabemos nosotros que estamos haciendo una valiosa inversión en el futuro. Ojalá se sumen nuevas agrupaciones, empresas, entidades.

Programa. Debemos hacer énfasis en que la entrada a todos los actos del festival es gratuita y que esperamos con entusiasmo la asistencia y participación de un público nutrido y diverso porque la poesía, contrario a lo que generalmente suponemos, no conoce de exclusiones, al menos no en la dinámica de nuestra muy próxima fiesta de la palabra. ¡De modo que, son todos bienvenidos! (visite el sitio web anotado arriba)

CÉSAR LÓPEZ  (Cuba, 1933)

Doctor en Medicina por la Universidad de Salamanca,  realizó estudios de Filosofía y Letras. Ensayista, crítico literario, escritor, se dio a conocer en la revista Ciclón.  Varios de sus poemas y relatos han sido traducidos al inglés, francés, ruso, alemán, húngaro, italiano, rumano, checo, búlgaro, griego y japonés. Miembro de número de la Academia Cubana de la Lengua y correspondiente de la Real Academia Española.

MARVIN S. GARCÍA (Guatemala, 1982)

Miembro fundador del Grupo Ritual de Guatemala. Es el Presidente de la Fundación Metáfora de Guatemala y Coordinador General del Festival Internacional de Poesía de Quetzaltenango. Sus textos han aparecido en revistas culturales de Guatemala, México y Centroamérica. En el 2010 Cata fixia Editorial publicó su poemario “No somos los mismos”. Varios de sus poemas y relatos han sido traducidos al inglés, francés, ruso, alemán, húngaro, italiano, rumano, checo, búlgaro, griego y japonés. Ha traducido, del inglés a Lawrence Durrel.

ISOLDA HURTADO (Nicaragua, 1956)

Poeta, socióloga, traductora. Graduada en Sociología y Filosofía en la Universidad de Nueva Orleans. Realizó estudios de Fotografía, Teatro y Lenguas en la Universidad de Loyola de esa misma ciudad. Actual Presidenta Ejecutiva de la Asociación Nicaragüense de Escritoras 2010-2012. Obra: Silencio de Alas (1999); Florece el naranjo (2002).

OTONIEL GUEVARA (El Salvador, 1967)

Periodista. Coordinó el Suplemento Cultural Tres Mil de Diario CoLatino hasta el 2010. Preside la Fundación Metáfora en El Salvador, la cual organiza El Encuentro Internacional de Poetas “El Turno del Ofendido”. Ha obtenido primeros lugares de poesía en los certámenes «Roque Dalton» y «Alfonso Hernández», entre otros. Publicaciones: El Solar (1986); El violento hormiguero (1988); El sudario del fugitivo (1998); Erótica (1999); Simplemente un milagro (2001); Isla ilegal (2003); No apto para turistas (2004); Los juguetes sangrantes (2006); y Canción Enferma (2009), entre otros.

MAGDALENA  CAMARGO LEMIESZEK (Polonia, 1987)

Actualmente estudia Lengua y Literatura en el Departamento de Español en la Universidad de Panamá. Cursó el Diplomado en Creación Literaria de la Universidad Tecnológica de Panamá en el 2007. Ha sido publicada en la Antología Panamericana de la revista virtual serie Alfa y ha sido traducida al catalán. Forma parte del libro colectivo “Contar no es un juego”.  Ganó el Concurso Gustavo Batista Cedeño 2008 con su poemario “Malos Hábitos”.

AHMAD A SHAHAWI (Egipto, 1960)

Poeta y periodista. Co-fundador del periódico Sawt Sohag, en el cual dirigió la sección cultural. Es co-fundador de la revista cultural Nisf al-dunia del diario al-Ahram. En 1995 obtuvo el premio UNESCO de Letras y en 1998 el premio Kavafis de poesía. Ha publicado más de diez libros de poesía, entre los cuales están Dos Rakaas para el amor, Los dichos, El libro del amor, Asuntos del enamorado, El libro de la muerte y Agua en los dedos.

CÉSAR AUGUSTO ZAPATA (República Dominicana, 1958)

Profesor de Creatividad y Psicología de la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Director de Cultura de la Universidad Autónoma de Santo Domingo. Miembro de la Cátedra extracurricular Edgar Morin. Ex-Subdirector de la Biblioteca Nacional. Libros de poesía publicados: Acrobacias del Ser, Edades del Instante, y Piedad de Toque, Premio Internacional de Poesía Casa de Teatro, 2004.

LUIS EDUARDO  RENDÓN (Colombia, 1972)

Pertenece a la organización del Festival Internacional de Poesía de Medellín y al Consejo Editorial de la revista de poesía Prometeo. Ha realizado estudios de música y astrología. Libros de poemas: Arpa a merced de las manos invisibles; La velocidad de las piedras es azul; Tras la loba espectral; La plaza Mercurio; Libro de presagios.

MOISÉS PASCUAL PÉREZ (Panamá,1955)

Poeta, narrador, periodista, y pintor autodidacta. Ha publicado los poemarios: Los versos de Alejandra, Los Infelices, Proclama del amor en guerra (Premio Internacional de la revista Diálogo Social), Palomas al atardecer, y Monólogo del Náufrago (España, 2003). Premio Anual 2000 “Samuel Lewis Arango”, Campo de Letras, Revista Lotería (Panamá). Premio “Ricardo Miró” de Poesía 2003, por su poemario Traganíquel.  Ha residido en Nicaragua y en España. En la actualidad vive en Panamá y se dedica a la enseñanza del español y la literatura.

EDUARDO SOTO (Panamá, 1962)

Poeta, cuentista y periodista panameño. Subdirector del diario Panamá América y gestor de su suplemento cultural díaD. Posee un Diplomado de Creación Literaria de la Universidad Tecnológica de Panamá. En 2003 fundó y dirigió el diario DIAaDIA, que pronto se convirtió en un fenómeno periodístico, cultural y comercial. Ha publicado el libro Cuentos nada más, ganador del Concurso Nacional de Cuentos José María Sánchez. Tiene entre manos un libro de poesía, que dará a conocer durante el festival.

BENJAMÍN RAMÓN (Panamá, 1939)

Ha recibido premios y menciones en concursos nacionales y extranjeros por sus obras: Cundeamor (1966); Sólo el mar (1968), Mención en Juegos de Poesía Joven del Perú; Camión (1972), Premio Universidad de Poesía; y Música sabida (1991), finalista del Premio Ricardo Miró, entre otros. Otros libros suyos son: Esta ciudad que mata y otras alegrías (1969); Puta vida y otros poemas (1969); No trespassing (1974), El mundo es más que el hombre (1977); Árbol, mediodía (1983); No olvidemos y otros poemas (1997); Otro territorio (2007).

RODOLFO DADA (Costa Rica, 1952)

Estudió Literatura y Estudió Literatura y Ciencias del Lenguaje en la Universidad de Costa Rica. En el año 2004 le fue concedido el Premio Nacional de Poesía de su país. Ha recibido varias distinciones por sus libros, entre las cuales destacan  “ABECEDARIO DEL YAQUI”, premio Carmen Lyra, 1981; “KOTUMA, LA RANA Y LA LUNA”, premio UNA-PALABRA, 1984; “DE AZUL EL MAR”, Premio Nacional de Poesía “Aquileo J. Echeverría” 2004; “EL MAR DE LA SELVA”, Mención de Honor, Premio Casa de las Américas, 2009.

PORFIRIO SALAZAR (Panamá, 1970)

Poeta. Premio Nacional de Literatura Ricardo Miró de poesía en 1998 y 1999; y de ensayo en 2009. Obras: Selva, Guitarra de fe, la Cítara del Sol, No reinarán las ruinas para siempre, Ritos por la paz y otros rencores, entre otras. Con el libro Animal, sombra mía, obtuvo el Premio Centroamericano Rogelio Sinán 2008.

IRIK LIMNIO (Comunidad de Aggwanusadup, Comarca de Kuna Yala, 1969)

Estudios de Sociología en la Universidad de Panamá. Ha publicado en pequeños formatos poemarios como: Germinación de mis Versos y Kaabsus en el Norte. Antologado en Novísimos Poetas Panameños y en Afán que es Una Fiesta, publicados por el Instituto Nacional de Cultura.

GLORIA YOUNG (Panamá, 1953)

Licenciada en Ciencias Políticas y Administración Pública y en Literatura Dramática y Teatro (Universidad Nacional Autónoma de México). Ha colaborado en revistas y periódicos. Forma parte del Consejo Nacional de Escritores y Escritoras de Panamá (2001 – 2003) y dirige el Centro de Educación en Competencias en Género (CECGE) de la Universidad Latina de Panamá. Ha recibido honores en certámenes locales de poesía: Torneo de Poesía de Verano del Instituto Nacional de Cultura 1986, “León A. Soto” 1986 y, más recientemente, “Amelia Denis de Icaza”.

Por MAGDALENA CAMARGO LEMIESZEK

“Pasaba yo por los días”, de Salvador Medina Barahona, es un poemario en el que la temática central abarca con deslumbrante profundidad diversas aristas de lo existencial, mediante un planteamiento que posee increíble autenticidad, madurez y vigencia; en el que además se yergue la palabra bella, columna primordial de la poesía, manteniendo la línea indispensable de la comunicación porque los poemas no son palabras echadas al azar sobre una mesa, es necesario que transmitan, que digan algo. Haciendo referencia al título, es necesario mencionar que el concepto de los viajes se encuentra entre los tópicos más arraigados en el ser humano, es el tránsito por las cosas y la vida, y este ha sido uno de los temas paradigmáticos de la literatura universal desde la antigüedad: el hombre que emprende el viaje de descubrimiento, que no posee nada, salvo lo andado, que renuncia a todo a cambio de la libertad de las migraciones; porque el viaje es también un credo, una filosofía, una entrega. Pasamos por los días, pasamos por los otros, pasamos por el amor, pasamos por la muerte, y con este poemario emprendemos un viaje impetuoso por medio de la poesía. Si me preguntaran con qué cosas me deja este libro, afirmaría que perdura una sensación de encontrarse a sí mismo, sin equipajes, sin pasaporte, sin rutas trazadas en el mapa, con la única seguridad de que es la hora de andar, y ya, a punto de emprender la travesía, la palabra se transforma en barca, en tren, en los pies que nos llevan hacia adelante, hacia el interior de ese espejo que el poeta pone frente a nuestros rostros, conteniendo nuestra humanidad y nuestra divinidad, nuestra vida y nuestra muerte.

“Pasaba yo por los días” es un poemario cuidadosamente estructurado en tres partes, la primera parte, o bien la primera estación de nuestro viaje, se titula “Elegías del agua”. Aquí el agua emerge desde la palabra y la palabra se transmuta en agua, contemplamos, a beneficio del poemario, su fluidez, su ritmo, su fuerza natural y sobrenatural que arrasa y reconfigura, que lava y que alivia. El agua es también la furia, el ardor, el símbolo de la sed y de la búsqueda, el horror de eso que nos falta, de eso que perdimos: “Sé que el agua es apenas una alucinación,/ un horror en la ausencia.” Porque estamos sedientos y buscamos esas aguas definitivas que han de saciarnos, y que bien podrían tener la fatalidad de un espejismo, o aguardarnos con el consuelo absoluto: “El agua era una ecuación de soles,/ un cálido universo que nos bastaba. ” Esta es la primera parada de nuestro viaje, y el poeta ha escogido con acierto uno de los elementos naturales más simbólicos, que puede poseer los perfiles más disímiles, pues el agua puede ser desastre y bendición al mismo tiempo, es cruel y generosa, bestia y deidad, omnipresente y necesaria …¿quién no temió a las inundaciones o a la violencia de los temporales?, ¿quién no corrió bajo la lluvia o cedió al embate de las olas, o sucumbió a la calma del estanque y a las corrientes de los ríos?: “Todo lo poblaba el agua, todo lo ardía./ Todo buscaba la oscuridad ante su fulminante industria”. Pero la última huella de esta primera travesía, esa frente al agua que puede ser la vida, nos deja con la sensación de haber buscado sin hallar, de haberla tenido en las manos y no poder evitar que se derramara, de ir tras ella y sus flujos sin poder llegar a encuentro alguno: “Siempre escapando, agua,/ como el que huye de un suelo, perseguido”.

La segunda estación es la que da el título al libro: “Pasaba yo por los días”. Nos ofrece un recorrido vital plagado de conflagraciones, caídas, enfrentamientos con la noche y con la sombra, la búsqueda de la libertad en el poema, el hombre y el mar, y ese tránsito por los rieles del tiempo, la temporalidad como esa médula incrustada en nuestro centro, rigiendo cada paso: “A esta hora debo estar en las distancias.// Nazco, solo, como el primer hombre,/ arrullado por las fieras”. El hombre es ese animal sombrío, que anhela el viaje, la lejanía, y es consciente de su propia soledad, de la grandeza y las limitaciones de ese encierro que implica estar solo: “Nada más alto que la soledad.// Sólo al caer se nace”. Al leer el poemario es inevitable, además de alucinar con la bien lograda precisión del lenguaje y las imágenes, encontrarse invadido de preguntas: ¿es al final la muerte el último destino?, ¿cuál es el motivo por el cual fuimos arrojados a este viaje constante? Y sin respuestas, nos descubrimos casi condenados a errar en una travesía que empezamos y a la que estamos atados desde el nacimiento, desde el primero de nuestros días. El poeta, cuya voz nos hace sentir que sabe algo que nosotros ignoramos, medita, casi parsimoniosamente, con esa única certeza de que nos aguarda en este itinerario: “A veces medito en los cementerios./ Comulgo su paz:/ Limo las uñas de los muertos”. Más adelante nos encontramos con este poema originado desde la más peculiar y maliciosa de las sabidurías: “No otra cosa es la vida:/ Un oleaje, una ruptura, una irrupción, un ascenso.// Me lo ha dicho el diablo,/ que tan viejo es.” Y esta definición de la vida implica siempre movimiento: la oscilación, la caída, el ascenso. No podemos vivir desde el reposo ni la inercia. Vivir es andar, y decir que pasamos por los días, suena casi tan natural como decir pasamos por las calles, pasamos por las plazas, pasamos por los parques, porque en realidad ¿cuán diferentes son los días de las avenidas, de los callejones, de los caminos? Los días, como las calles, podrán estar inundados por las multitudes, o terriblemente solos; podrán ser largos, prolongarse invariablemente; los días, como las calles, podrán ser sombríos y sucios; violentos o tranquilos; podemos perdernos en los días como en la calles, no saber a dónde terminan, a donde conducen realmente. Los días se muestran como ese sendero de diferentes paisajes, de inciertos horizontes.

La tercera y última estación de nuestro recorrido poético se titula: “Agenda para el último viaje”, y es una cuenta regresiva que se inicia con el número 8, número que casualmente nos recuerda al símbolo del infinito. Estas son las palabras que inauguran la última etapa de nuestro viaje, y que ya en este punto fluye paralelo con el viaje del poeta: “Partiré/ hacia la última estación posible;/ allí donde mi huella/ es una con mi rostro,/ mi camino,/ uno con mis pies,/ mi palabra,/ una con el silencio”. El viaje se revela, además, como un ardor, un padecimiento; al final se presenta la revelación de que se ha sido mucho, todo menos aquello que se esperaba; y el poeta nos conduce: “allí,/ donde todo y nada/ son la misma palabra/ que nos une”.

Hemos abordado un tren en el que el tiempo cede a las rupturas, y podemos encontrarnos al poeta en un estado de afirmación y de plena conciencia como ente creativo, un creador de mundos para los otros. Además, cabe destacar que de todas las secciones del libro, es esta de donde se desprende el mayor erotismo: “Ya me dirán las niñas hermosas en el vagón/ que sus tobillos/ empiezan a tener el color abismal de la belleza.// Yo, otra vez bajo el asombro,/ niño también,/ les besaré sus dagas/ y espesuras.”

Podemos observar que es una de las secciones escritas con mayor visceralidad, posee imágenes llenas de fuerza, firmes como un puño cerrado, la palabra se aniquila, no existen credos y “la única afirmación, (es) lo imposible”. Se percibe un tono poético lleno de angustia y de reclamos, pero el poeta sigue ofreciéndose como un espejo en el que la búsqueda de los otros es posible. Y en el que uno es también capaz de mirarse como un dios, como un demonio, como un hombre. El cierre del poemario sugiere un nuevo viaje: es cierto, es la última estación, es el tren que se detiene, el umbral aguarda y el poeta se levanta, ya habremos nosotros de seguirle.

Por último, es pertinente agregar que en materia de estilo este es un libro que se vale de poemas breves, que asume ese riesgo y que resulta victorioso porque el peligro de los poemas cortos es que pueden dejar en el lector la sensación de quedar colgando de algo inconcluso; y por otro lado, la ventaja es que, bien ejecutado, como podemos ver en el libro, un poema corto tiene esa potencia del impacto, es como un puñal cuyos filos estremecen.

Leer “Pasaba yo por lo días” es entender que la poesía es brújula y es hemisferio, la palabra es movimiento, es camino, es horizonte. La poesía es un remo, es una rueda, es un motor, es combustible. Todas las cosas que este libro nos entrega y nos muestra, y sobre todo la altura con la que logra llevarlo a cabo, me permite atreverme a asegurar que constituye un referente indispensable dentro de la literatura panameña contemporánea, un viaje al que debemos atrevernos, y puede ser incluso un viaje que ya emprendimos desde hace tiempo, sin darnos cuenta.

La poesía, palabra fundacional del ser humano, es leída y escuchada cada vez más en distintos puntos del planeta. Tal vez esté recuperando sus espacios y cumpliendo su misión de celebrar la vida, la humanidad o reasumiendo su compromiso de combatir las injusticias y de comprender los designios de la muerte, los encuentros y los desencuentros que a todos nos depara la existencia.

Por primera vez desde su creación, un escritor panameño, en este caso el reconocido poeta nacional Pablo Menacho, fue invitado a participar en el Festival Mundial de Poesía de Venezuela, celebrado entre el 23 y el 29 de mayo del presente año.

Bajo el nombre de “Fundada está mi casa”, esta fiesta literaria, que se extendió por diferentes puntos de la geografía del país suramericano, contó con la presencia del Premio Nobel de Literatura de 1992 Derek Walcott (Santa Lucía, 1930), en calidad de invitado especial. El festival, en su séptima versión, rindió homenaje al poeta venezolano William Osuna (Caracas, 1948), presidente de la Fundación Editorial El Perro y la Rana.

Organizado por la Casa Nacional de las Letras “Andrés Bello” y el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, el festival hizo énfasis en la conmemoración del Bicentenario de la Independencia de Venezuela. Treinta y dos poetas extranjeros representaron, en su mayoría, a los países de América Latina y el Caribe y, en algunos casos, a los de Europa.

A Pablo Menacho le tocó el honor de participar, junto con Walcott, en el recital inaugural, celebrado en la Sala Ríos Reyna del teatro Teresa Carreño de la capital venezolana. Además, ofreció lectura de sus poemas en la Fundación Centro de Estudios Latinoamericanos “Rómulo Gallegos”, en donde alternó con otros poetas internacionales invitados y poetas venezolanos de distintas regiones del país.

Menacho también ofreció recitales en Puerto Ayacucho y en la comunidad de Agua Blanca, en el Departamento de Amazonas, así como en la ciudad de San Carlos, en el Estado de Cojedes. En esta ciudad el autor de Ritos de mares y sombras participó en un conversatorio sobre literatura con los estudiantes de la Universidad Experimental de los Llanos Occidentales “Ezequiel Zamora”, junto con el poeta escocés Bill Herbert.

Para Pablo Menacho la experiencia de haber participado en este festival significó, según sus propias palabras, “un punto de inflexión en mi vida, una reafirmación de mi oficio de escritor y un reencuentro muy importante con la poesía, cuyos resultados llegarán a su debido tiempo. Por eso, sostengo que hay un destello de luz en Venezuela, pues así lo percibí.”

Pablo Menacho posee una vasta trayectoria literaria de más de treinta años y ha participado en diferentes encuentros poéticos en otras partes del mundo. El año pasado, por ejemplo, fue invitado a El Cairo, a un congreso de escritores en el que se le dedicó prácticamente toda la jornada de exposiciones. Sólo Roque Javier Laurenza había asistido a El Cairo años atrás, pero en misión diplomática. A la fecha, Menacho tiene publicados ocho libros de poesía y ya se prepara una antología, con el título provisional de “50 octubres bajo la lluvia”, con motivo del cincuentenario del poeta.

La poesía de este destacado bardo oriundo de la ciudad de Chitré (1960) se universaliza cada vez más y nos pone dignamente en el mapa de la mejor poesía del mundo.

Celebramos esta dignísima representación y lo instamos a seguirnos regalando la magia de su verbo poético, el esplendor de su palabra más querida, la emoción siempre capaz de transfigurarnos.

Sé que un viento frío –animal de astillas- intenta fragmentar la belleza sagrada de tu rostro. Sé que mis ojos lo vigilan en tu proximidad de lágrimas. Y sé –ternura mía, dulce oración que en mi templo de palabras vives- que nada podrán contra ti los ecos infames de las sombras. Porque tus rosadas mejillas poblaron el mundo antes que el viento y su acentuada claridad vive más allá de todos los ámbitos oscuros. Porque yo vigilo y tú vigilas conmigo, como dos suricatos de espalda a espalda, y nuestros cuatro faros son esa misma intensidad que te protege y me alimenta en la enemistad de lo perdido. Porque yazco para ti, desnudo, como el primero de los hombres, el corazón abierto para que en él dejes caer tu corazón, su humedad resplandeciente en el pálpito infinito de mi sangre. Porque eres lo querido, Teresa, lo presente, lo que crece en la soledad más alta. Una flor ardiendo en la tormenta. Una chispa besando –hasta cerrarlas- las heridas profundas de los otros. Un sueño, en fin, imaginado por mis poros y atenazado por la dureza de mis manos que te besan, aquí, muy cerca, cuando cruzas con tu lanza indestructible la magnitud de mi amor.

Para mi hombre polaroid

Nada ha pasado de tu mano

que sostengo

en pesar y tamarindo,

ahora que tengo

vacíos los bolsillos

en su desbando

de alas y sombras.

Aunque contemple los misterios

tu cosmogonía prima

sobre santos y cuentas,

perdido ya mi día

y su satélite.

Aquí donde me nacen costurones

se abre la brecha despierta

con su raíz de dientes

y escozores

en el espacio de tu barba.

El campo de batalla abierto y violado

-río humeante de brazos y sangre-

se aferra a mi caballo,

los gritos de tu garganta quieta

se agitan bajo mi armadura,

en la casa que no alcanzo,

en tu pie blanco

de pestañas revueltas

y en esta soledad de siglos

que te clama como si no hubieses partido

-toda tu espina aún clavada-

como si el boquete de esternón

por donde te cuelas para llenarme

fuese el mundo, el dios y su tiempo.